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  • Marta Lock, Art criticism

The New Serie Color Transformation

Aktualisiert: 2. Juni

The search for the essential in Thomas Christian Koller’s abstract expressionism, between stratification and alternation of emptiness and fillings.





Among the tendencies of contemporary art, it is to abandon the entire path of research, structuring and detailed analysis of the surrounding reality. The basis of many creators is that the mind must interact or even be the protagonist of the realization of the work in order to give absolute priority to this irrational and uncontrollable form of expression of an emotional world. The attempt to dialogue with reason, escaped from all, which flows freely, without any stylistic rule except that of the creative impulse.


The artist I’m going to talk about today chooses pure instinct on the one hand, but his sculptural gesture begins with the need to get rid of everything that is superfluous in order to investigate what is primary and substantial.


In the mid-1950s, a large group of artists in the United States decided to raise their expressive voice by overturning all existing rules and adopting a new concept. In which the non-form should no longer be limited to logical experimentation as well as rational connections and the superiority of the plastic gesture.


Abstract Expressionism, on the other hand, emphatically affirmed the need to return to the depths of feeling, to the communication that the artist needs.


To liberate the otherwise silent self that alone is able to reach the viewer and involve him and sometimes even beyond him into this totally emotional spread.


What was more important in the movement than any other rule was the freedom to choose an expressive language that was similar to the personality and inner movements of the performers of the work, those who, despite the profound differences, were able to keep together and follow the path united despite initial rejection by the academic art world of the time.


Jackson Pollock, the most exuberant and powerful in the New York art scene, chose action painting to bring his impulsive works to life. In both the execution and the visual end result, he mixed the performance with the production of the canvas and from which the restlessness and creative frenzy sprang a confused, colourful and irregular world of images.


Pollock, on the other hand, understood art as a moment of meditation on the connection with an observational ability that he thought was much more complex than was usually understood.


His often almost monochrome pictures required a deep look to grasp their mystical almost spiritual meaning, which could only be derived from the individual without being permeated by the hint. And again, Elen Frankenthaler’s Color Stain Painting, although it emphasizes a positive and cheerful attitude to life, left it to chance to create a picture. That entrusted to the dilution of the acrylic paint was that it settled naturally and spontaneously on the canvas, giving the viewer a feeling of overwhelming contemplation of this diverse world, indeterminate and indeterminate as well as seductive.

In Europe Gerard Richter is one of the most important exponents of Abstract Expressionism still alive and one of the most renowned artists in the world. His canvas mixes a more meditative phase, a phase in which the artist spreads the paint to bring the work to life, and then a more impulsive phase in which he uses the brush to erase almost everything that is underneath.


The Austrian artist Thomas Christian Koller chooses the same creative path, that of stylistic freedom combined with the flow of his own sensations, which in his case expand in order to get out of subjectivism and develop a more universal sense of feeling.


Hue and the chromatic combination that aims to arouse sensations by the vibration of those inner strings that move inexplicably due to this indeterminate splendor of color. Which can take on different meanings and concepts depending on the nature, experience and perception of the viewer.


The end result appears as impulsive as the creative impulse actually meditates. That means striving after the discovery of the essence to remove everything that is superfluous to reach a dimension in which few elements can express everything, thoughts, emotions, concepts that do not need too many details many components to free themselves.


Koller’s perspective also extends to today’s life, to the constant race to fill oneself with things, forgetting that it takes much less to be happy and content than one imagines.


An understanding, an inner analysis that makes it possible to listen to all that is usually silenced by the consumption and alienating society that revolves around the people of this century.


Compared to the previous production by Thomas Christian Koller, the new series of works discovers bright, sometimes strong, sometimes nuanced tones. As if the previous introspective approach required smokier and more earthy atmospheres to facilitate the gathering in oneself and had been overtaken by a new awareness of its fragility and possibilities to create a new base from which to start.


What is particularly evident is the constant presence of the white color that represents the light Brightness that man and the eye need to grasp more attentively everything around him and which is often overshadowed by the repetition of the everyday.



On the other hand, the neutral color also serves to define emptiness that alternates with the full color density. Immediately adjacent space that seems to be the pause between the events, the important moment of functional immobility to grasp more attentively the vitality of what happened before and what will happen immediately after this pause.


In this way, the color becomes the language, which unfolds on the canvas in the form of a sculptural gesture, but also by the layering of the construction of a final image that appears full of nuances.

As if they were whispered secrets that inevitably belong to everyone’s life and contribute to the structuring of the personality.



It speaks of the elasticity of the artist’s new production, of the smiling ability to accept circumstances and to view and understand events as growth impulses, development but above all simplicity. Not everything has to be shady or complex to have a real consistency.


On the contrary, the most pleasant side of life is shown above all by this path of exfoliation, reduction to the essentials that somehow belongs to a more mature age, in which one understands the importance of balance, of inner balance, which only through a thorough analysis and a subsequent serenity that can make the difference in everyday life. Only seemingly complex or polluted by false certainties, divert attention from what is, in contrast, structural and therefore only indispensable.


The colour palette of Koller ranges from strong red in contrast to black and pink shades to heavenly and ochre grey shades, accompanied by unmistakable white. Thomas Christian Koller, painter and photographer, has participated in numerous group exhibitions in Austria but also in Italy and has received prizes and mentions and his works have been published in numerous professional journals




Marta Lock, Art Critic Italy

www.lopinionista.it







[GER]

Die Suche nach dem Wesentlichen im abstrakten Expressionismus von Thomas Christian Koller, zwischen Schichtung und Abwechslung von Leeren und Füllungen.



Unter den Tendenzen der zeitgenössischen Kunst ist es den gesamten Weg der Forschung, Strukturierung und detaillierte Analyse der umgebenden Realität aufzugeben. Die Grundlage vieler Kreativer ist, für die der Geist interagieren oder sogar Protagonist der Realisierung des Werkes sein muss, um dieser irrationalen und unkontrollierbaren Ausdrucksform einer emotionalen Welt absoluten Vorrang zu geben. Die jedem entfliehten Versuch des Dialogs mit der Vernunft, die frei fließt, ohne jede stilistische Regel Außer der des schöpferischen Impulses.


Der Künstler, von dem ich heute erzählen werde wählt auf der einen Seite den reinen Instinkt, aber seine plastische Geste beginnt mit der Notwendigkeit sich von allem zu entledigen was überflüssig ist um das zu untersuchen, was primär und substanziell ist.


Mitte der 1950er Jahre beschloss eine große Gruppe von Künstlern in den Vereinigten Staaten ihre ausdrucksstarke Stimme zu erheben, indem sie alle bestehenden Regeln umstürzte und ein neues Konzept verfolgte. In dem die Nichtform nicht mehr nur auf logisches Experimentieren sowie rationale Zusammenhänge und die Überlegenheit der plastischen Geste beschränkt werden sollte.


Auf jede Bezugnahme auf die beobachtete Realität aber auch auf eine innere und subjektive Welt, die das Kunstwerk weder durchscheinen noch durchdringen durfte, der abstrakte Expressionismus dagegen bekräftigte mit Nachdruck die Notwendigkeit zu den Tiefen des Fühlens zurückzukehren, zu jener Kommunikation die der Künstler benötigt.


Um das ansonsten verschwiegene Selbst zu befreien das allein in der Lage ist den Betrachter zu erreichen und ihn einzubeziehen und manchmal sogar über ihn hinweg in diese völlig emotionale Ausbreitung.


Was in der Bewegung mehr als jede andere Regel zählte war die Freiheit, eine expressive Sprache zu wählen die der Persönlichkeit und den inneren Bewegungen der Ausführenden des Werkes ähnlich war, jenen die trotz der tiefgreifenden Unterschiede trotz anfänglicher Ablehnung durch die akademische Kunstwelt jener Zeit zusammenhalten und vereint den Weg weiterverfolgen konnten.


Jackson Pollock, der überschwänglichste und kraftvollste in der New Yorker Kunstszene wählte das Action Painting, um seine impulsiven Werke zum Leben zu erwecken. Die sowohl in der Ausführung als auch im visuellen Endresultat hervorgerufen wurden, indem er die Performance mit der Herstellung der Leinwand vermischte und aus der die Unruhe, kreative Raserei entsprangen eine verwirrte bunte und unregelmäßige Bilderwelt.


Pollock hingegen verstand die Kunst als Moment der Meditation der Verbindung mit einer Beobachtungsfähigkeit, die er für viel komplexer hielt, als sie normalerweise verstanden wurde.


Seine oft fast monochromen Bilder erforderten einen tiefen Blick, um ihren mystischen fast spirituellen Sinn zu erfassen der nur vom Einzelnen abgeleitet werden konnte, ohne von der Andeutung durchdrungen zu sein. Und wieder das Color Stain Painting von Elen Frankenthaler, obwohl es eine positive und heitere Einstellung zum Leben hervorhebt, überließ es dem Zufall den unkontrollierbaren Energien ein Bild zu erzeugen. Das der Verdünnung der Acrylfarbe anvertraut war, dass sich auf natürliche und spontane Weise auf der Leinwand niederließ und dem Betrachter ein Gefühl der überwältigenden Kontemplation über diese vielfältige Welt einflösse, unbestimmt und unbestimmt wie verführerisch.


In Europa ist Gerard Richter einer der bedeutendsten noch lebenden Vertreter des abstrakten Expressionismus und einer der renommiertesten Künstler der Welt. In dessen Leinwand sich eine eher meditative Phase mischt, eine Phase in der, der Künstler die Farbe ausbreitet, um das Werk zum Leben zu erwecken, und dann eine impulsivere Phase, in der er mit dem Pinsel fast alles auslöscht, was darunter liegt.


Der österreichische Künstler Thomas Christian Koller wählt den gleichen kreativen Weg, den der stilistischen Freiheit verbunden mit dem Fließen der eigenen Empfindungen, die sich in seinem Fall erweitern, um aus dem Subjektivismus herauszukommen und ein universelleres Gefühl des Gefühls zu entwickeln.


Farbton und die chromatische Kombination, die darauf abzielt, Empfindungen durch die Vibration jener inneren Saiten zu erregen, die sich unerklärlicherweise aufgrund dieser unbestimmten Farbenpracht bewegen. Die je nach Natur, Erfahrung und Wahrnehmung des Betrachters unterschiedliche Bedeutungen und Konzepte annehmen kann.


Das Endergebnis erscheint ebenso impulsiv wie tatsächlich meditiert der schöpferische Drang. Das heißt nach der Entdeckung der Essenz zu streben alles zu entfernen was überflüssig ist um eine Dimension zu erreichen in der wenige Elemente alles ausdrücken können, Gedanken, Emotionen, Konzepte die nicht zu viele Details viele Komponenten brauchen um sich zu befreien.


Kollers Blickwinkel erstreckt sich auch auf das heutige Leben auf den ständigen Wettlauf sich mit Dingen zu füllen und dabei zu vergessen, dass es viel weniger benötigt, um glücklich zu sein und zufrieden zu sein, als man sich vorstellt.


Ein Verständnis, eine innere Analyse, die es ermöglicht all das anzuhören was normalerweise von dem Konsum und entfremdenden Gesellschaft die sich um den Menschen dieses Jahrhunderts dreht zum Schweigen gebracht wird.


Im Vergleich zur vorherigen Inszenierung von Thomas Christian Koller entdeckt die neue Reihe von Werken helle manchmal kräftige, manchmal nuancierte Töne. Als ob der vorherige introspektive Ansatz der rauchigeren und erdigeren Atmosphären erforderte, um die Sammlung in sich selbst zu erleichtern und von einem neuen Bewusstsein überholt worden wäre, dass sich seiner Zerbrechlichkeit bewusst ist und Möglichkeiten um eine neue Basis zu schaffen von der aus man beginnen kann.



Was sich besonders deutlich zeigt, ist die ständige Präsenz der weißen Farbe, die das Licht repräsentiert Helligkeit die der Mensch und der Blick brauchen, um alles um sich herum aufmerksamer zu erfassen und die oft durch die Wiederholung des Alltäglichen überschattet wird.


Andererseits dient die neutrale Farbe aber auch dazu Leere zu definieren die sich mit der vollen Farbdichte abwechselt. Unmittelbar angrenzender Raum der die Pause zwischen den Geschehnissen zu sein scheint, der wichtige Moment der funktionalen Unbeweglichkeit um die Lebendigkeit dessen was vorher geschah und was unmittelbar nach dieser Pause passieren wird, aufmerksamer zu erfassen.


So wird die Farbe zur Sprache, die sich auf der Leinwand in Form einer plastischen Geste entfaltet, aber auch durch die Schichtung der Konstruktion eines Endbildes, das voller Nuancen erscheint.

Als wären es geflüsterte Geheimnisse die unweigerlich zum Leben eines jeden gehören und die zur Strukturierung der Persönlichkeit beitragen.


Es spricht von der Elastizität der neuen Produktion des Künstlers, von der lächelnden Fähigkeit die Umstände zu akzeptieren und Ereignisse als Wachstumsimpuls, Entwicklung aber vor allem Einfachheit zu betrachten und verstehen. Das nicht alles schattig oder komplex sein muss, um eine echte Konsistenz zu haben.


Im Gegenteil, die angenehmste Seite des Lebens zeigt sich vor allem durch diesen Weg des Peelings der Reduktion auf das Wesentliche der irgendwie zu einem reiferen Alter gehört, in dem man die Bedeutung des Gleichgewichts versteht, des inneren Gleichgewichts, das nur durch eine gründliche Analyse und eine anschließende Gelassenheit, die den Unterschied im Alltag ausmachen kann. Nur scheinbar komplex oder von falschen Gewissheiten verschmutzt, die Aufmerksamkeit von dem ablenken, was im Gegensatz dazu strukturell und daher nur dann unverzichtbar ist.


Die Farbpalette von Koller reicht von kräftigem Rot im Kontrast zu Schwarz über rosa Schattierungen bis hin zu himmlischen und ockerfarbigen Graustufen, begleitet von unverwechselbarem Weiss. Thomas Christian Koller, Maler und Fotograf, hat an zahlreichen Gruppenausstellungen in Österreich aber auch in Italien teilgenommen und Preise und Erwähnungen erhalten und seine Werke wurden in zahlreichen Fachzeitschriften veröffentlicht.